sábado, 21 de abril de 2018

"79 PRIMAVERAS", DOCUMENTAL CUBANO SOBRE LA VIDA DE HO CHI MINH

Título original: 79 primaveras
Año: 1969
Duración: 25 min.
País: Cuba
Dirección: Santiago Álvarez
Guión: Santiago Álvarez
Música: Raúl Pérez Ureta, Carlos Fernández
Fotografía: Iván Nápoles (B&W)
Productora: Instituto Cubano del Arte e Industrias Cinematográficos (ICAIC)


Se erige como la biografía visual de Ho Chi Minh, su vida y su muerte; aunque también son visibles las imágenes metafóricas de dos florecimientos: uno, natural y lento, quizá del socialismo; el otro, en cambio, fabricado y estrepitoso, el de un imperialismo armamentista. Con textos de José Martí y, salvo algunos breves discursos y una canción, con narración audivisual nos muestra los horrores de la guerra. La música y el silencio tienen un valor narrativo importante.

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miércoles, 18 de abril de 2018

LA SEDE DEL PARTIDO COMUNISTA FRANCÉS DE ÓSCAR NIEMEYER, FOTOGRAFIADA POR DENIS ESAKOV


El edificio de vanguardia concebido por el arquitecto brasileño Oscar Niemeyer, la Sede del Partido Comunista Francés, vuelve a ser fotografiada, esta vez, por Denis Esakov.

La sede del Partido Comunista de Oscar Niemeyer en París fue recientemente capturada por el fotógrafo Denis Esakov. Eche un vistazo a la ejecución en hormigón del arquitecto brasileño, uno de los primeros en Europa.

Recordemos que en 1945, ya como un arquitecto de cierta reputación, Oscar se unió al Partido Comunista de Brasil; pero durante la dictadura militar de Brasil la oficina de Oscar Niemeyer fue invadida por sorpresa, sus proyectos comienzan a ser misteriosamente rechazados y pierde su clientela. En 1965 se exilia a Francia e inicia una nueva fase de su vida y obra, donde entre otros proyectos, crea la sede del Partido Comunista Francés.

Oscar Niemeyer fue encargado por el Partido Comunista Francés para diseñar su nueva oficina central en París. La intención de los edificios se basa en dejarlo "respirar" con la ciudad y no romper el lugar. Esto se materializa en la ocupación de la tierra bajo el nivel del suelo, generando espacios subterráneos que vuelven a aparecer en la explanada.

Denis Esakov

Denis es un artista contemporáneo y fotógrafo de arquitectura. Describe el mundo a través de la arquitectura y a través de patrones. Clasificando el paisaje urbano en edificios, parques, plazas, calles y comunicaciones de transporte, busco un lugar que lo identifique como suyo. La fotografía transmite esta comprensión del espacio al espectador.

Denis nació y vivió su juventud en Kirguistán, Asia Central. Se sintió atraído por el deseo de sentir los ritmos de una gran ciudad a través del cine y los libros. Se mudó a Moscú y le gustó explorar la ciudad y su arquitectura a través de la fotografía. La fotografía se convirtió en un punto de su vida. Su próximo amor es Berlín. Esta ciudad lo atrae con su entorno, sus hallazgos arquitectónicos y su atmósfera. Denis está dedicando los próximos años de su vida a ello.

Fuente: Metalocus
















martes, 17 de abril de 2018

EL IVAM ACOGE LA EXPOSICIÓN "CASO DE ESTUDIO. RODCHENKO Y UN FUTURO EN CONSTRUCCIÓN"

Ródchenko, de la vanguardia a la construcción del socialismo

“Quemarlos sería una lástima, pues representan más de diez años de trabajo. Pero son tan inútiles como una iglesia; no sirven para nada en absoluto”. De ese modo se refería a su pintura abstracta –en 1927, seis años después de renunciar a ella- el fotógrafo, diseñador gráfico, fotomontador, pintor y escultor Aleksandr Ródchenko (San Petersbugo, 1891 – Moscú, 1956). El artista abraza a partir de entonces el constructivismo, movimiento de vanguardia en el que destacó como uno de los fundadores. En los años 30, ya con Stalin al frente de la Unión Soviética, los diseños, fotografías y reportajes de Ródchenko pasan de la vanguardia experimental al realismo socialista. El Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) expone hasta el 26 de agosto un centenar de obras que reflejan esta evolución, que se completa –en la sala de la Biblioteca del museo- con libros, revistas y folletos de autores coetáneos. “Ródchenko tuvo un papel especialmente relevante en el desarrollo del fotomontaje soviético y la renovación de la fotografía”, resume el director del IVAM José Miguel G. Cortés.

Finalizada la etapa del “comunismo de guerra”, Lenin promovió -a partir de 1921- la Nueva Política Económica (NEP), fórmula mixta que admitía, por ejemplo, que el campesino comercializara una parte del excedente. La década que permaneció en vigor la NEP (hasta la aprobación del primer Plan Quinquenal de Stalin en 1928) fue también una época de expansión de las vanguardias artísticas: el montaje cinematográfico de Vértov; películas como “El acorazado Potemkin” y “Octubre”, de Eisenstein; la arquitectura de Shújov y de Mélnikov; la pintura de Aleksandra Èkster y Liubov Popova; el teatro de Meyerhold y la música de Roslavets. En 1922 el activista, autor teatral y director de cine Alekséi Gan publicó un libro de agitación –“El constructivismo”- en el que anunciaba la batalla de esta nueva corriente contra los partidarios del arte tradicional. El constructivismo defendía las formas lineales, las tres dimensiones y la abstracción geométrica. Irrumpe, así, un “artista ingeniero de nuevo cuño, que diseña objetos industriales para el nuevo estilo de vida soviético”, explica Joan Ramon Escrivà, comisario de la exposición del IVAM. En este contexto se inscriben –en una primera etapa- las fotografías, diseños de libros, revistas y anuncios de Ródchenko, así como las obras de Aleksandr Vesnin, Varvara Stepánova o Liubov Popova.

El museo valenciano expone los carteles de Lef (1923-1924) y Novy Lef (1927-1928), revista del Frente de Izquierdas de las Artes, un grupo de agitación promovido por el poeta futurista y dramaturgo Vladímir Mayakovski. Ródchenko diseñó las portadas de esta publicación –en la que participaban poetas, pintores, teóricos y cineastas- según los principios del constructivismo; también se hizo cargo de los asuntos técnicos para la edición de la revista y escribió ensayos de fotografía experimental. “Hemos de revolucionar nuestro pensamiento visual”, declaró. Los fotomontajes y carteles de Ródchenko seguían las técnicas aplicadas por Dziga Vértov en los documentales Kino-Pravda (Cine-Verdad). En algunas portadas de Lef, explica Joan Ramon Escrivà, “traba un ensamblaje de imágenes extraídas de las revistas populares de la época con un marcado sentido crítico y humorístico”. El fotomontador ruso ya había utilizado estas técnicas de ensamblado en la primera plana de la revista Kinó-fot, difusora del cine vanguardista.



En el primer número de Lef, de 1923, Mayakovski publicó su célebre poema “Pro eto” (De esto), en la que expresaba los sentimientos de delirio por la separación de su musa y amante, Lilia Brik. La portada del libro “Pro eto”, expuesta en las vitrinas del IVAM, fue diseñada por Aleksandr Ródchenko, también autor de los ocho fotomontajes que ilustran las páginas de la obra. Si en la primera plana figura Lilia Brik, “transmutada en una suerte de futurista busto romano”, apunta Escrivà, las ilustraciones interiores remiten a un mundo onírico, surreal y no exento de humor, con un collage de los amantes junto a torres, puentes modernos, dinosaurios, osos polares y grandes neumáticos. “Fue el primer volumen de poesía de la historia ilustrado con la técnica del fotomontaje”, resalta José Miguel G. Cortés.

Fruto de la colaboración entre Mayakovski y Ródchenko son los anuncios para empresas estatales (de alimentos Mosselprom o los grandes almacenes GUM) y el diseño de los libros publicados en 1926 “Sífilis” y “A Serguei Esenin”, en cuya cubierta aparece la fotocomposición de una mano -que redacta con una estilográfica- sobre una máquina de escribir; de la misma época es “Conversaciones sobre poesía con un inspector de Hacienda”, donde Mayakovski escribe: “Si utilizo su lenguaje / la rima es un cheque (…) Hablando mi lenguaje / la rima es un barril / de dinamita, / y la estrofa es la mecha”; en otro conocido poema –“El poeta es un obrero”-, afirmó: “Los corazones son también motores. / El alma es también fuerza motriz. / Somos iguales”.

A continuación el visitante puede acercarse a tres fotografías tomadas por Ródchenko en 1924, de Mayakovski, Lilia Brik y el crítico literario y teórico Ósip Brik, casado con Lilia y uno de los colaboradores de la revista Lef. La muestra del IVAM recuerda que el autor de estas imágenes se inició como amateur, y que hasta 1924 no adquirió el primer equipo para realizar fotomontajes. Además, frente a la perspectiva fija y el canon clásico, Ródchenko adopta en sus fotografías los “enfoques dinámicos, así como los diferentes planos y posturas de las investigaciones cubistas”, subraya Joan Ramon Escrivà. “En muy poco tiempo se convertirá en uno de los maestros soviéticos del medio”, agrega el comisario de la exposición.



Son cambios que se insertan en el contexto de la ciudad contemporánea, con enormes edificios, fábricas y grandes calles atravesadas por automóviles y anuncios publicitarios, que imponen una mirada con primeros planos, escorzos, luces y sombras, picados y contrapicados. Se aprecian estas novedades en el cine de Vértov y Einsenstein, pero también en las fotografías de Ródchenko: “Establecimiento Mosselprom” (1925), “Balcones” (1925), “Escalera de incendios” (1925) y Escaleras (1929). Además, el artista ruso diseño el Club Obrero para la Exposición Internacional de las Artes Decorativas de París (1925); emplazados en los barrios de la nueva URSS, estos espacios de socialización contaban con bibliotecas, mesas de ajedrez y pantallas para proyectar películas; también promovían grupos de lectura y campañas de alfabetización.

Pero a finales de los años 20 estas técnicas experimentales –criticadas ya por su “formalismo”- y vanguardias como el futurismo y el constructivismo perdieron terreno en favor del realismo socialista y el ensalzamiento de la figura de Stalin. Así ocurrió en la fotografía, la pintura, el cine y la literatura. La tolerancia con las vanguardias artísticas acabó con el fin del primer Plan Quinquenal, en 1932. En el proceso de construcción del socialismo, la práctica de Ródchenko evolucionó hacia la fotografía documental y el fotorreportaje, lo que representó un giro en su obra. En 1928, año en que Stalin impulsó la planificación y centralización económicas en la URSS, Aleksandr Ródchenko escribe en relación con la nueva fábrica: “No representa para nosotros sencillamente la imagen de un edificio (…); sino el orgullo y la alegría de la industrialización del país de los soviets hechos realidad y eso es, justamente, lo que hemos de descubrir, ‘cómo fotografiarlo’”. Así, explica Escrivà, la fotografía vuelve “a su antigua condición de registro plano de la realidad a través de tomas sencillas y frontales, panorámicas luminosas e historias corrientes”. El IVAM expone diferentes fotografías realizadas por Ródchenko al comenzar la década de los 30: “Pionero tocando la trompeta”, “Radioescucha” o “Joven pionera”.

La nueva etapa en la obra de Ródchenko se concreta en una revista estatal de gran formato y difusión masiva, editada entre 1930 y 1941: “URSS en construcción”. Escrita con tipografía muy innovadora y en cuatro lenguas además del ruso (inglés, alemán, francés y español), la publicación que llegó a dirigir Máximo Gorki priorizaba los montajes fotográficos y las gráficas con estadísticas, con el fin de proyectar a escala internacional los avances de los planes quinquenales. “El Estado soviético encargó el diseño y la realización de muchos de sus ejemplares a destacados fotógrafos y representantes de la vanguardia, como El Lissitzky, Ródchenko o Varvara Stepánova”, destaca la exposición del IVAM, que muestra en un fotomural portadas y diseños de la revista. Cada ejemplar es monotemático; por ejemplo, el número 12 de 1933, diseñado por Ródchenko, está dedicado a la construcción del gran canal que uniría el Mar Blanco y el Mar Báltico: el Belomorkanal. Para documentar esta obra de navegación, Ródchenko realizó más de 4.000 negativos. La misma impronta productivista se percibe en el número tres, de 1934, y el siete de 1935, con diseños de N. Trochine sobre la central eléctrica de Dnièper y la fabricación de relojes, bicicletas y tocadiscos soviéticos. Ródchenko y Varvara Stepánova colaboraron de manera frecuente en la publicación, con montajes y fotografías sobre los paracaidistas soviéticos, el XV aniversario del Kazajistán, las elecciones al Soviet Supremo de la URSS o la reconstrucción de Moscú.

Fueron también años en que se loaba el gran potencial de la juventud vinculada al deporte, como enseña del país. Además de reportajes sobre desfiles institucionales, el circo y el teatro para libros o revistas populares, entre 1934 y 1936 Aleksandr Ródchenko realizó fotografías de atletas, saltadores, gimnastas y clubes deportivos. El autor ruso y su compañera Stepánova diseñaron el libro “A pageant of youth” (1939), de cuyo contenido proyecta imágenes el IVAM; la obra recoge fotografías del gran desfile deportivo que anualmente se celebraba en la Plaza Roja de Moscú. La exposición recoge además fragmentos de la película “Moscow strikes back”, dirigida por Leonid Varlamov y IIya Kopalyn en 1942; el documental trata de la Batalla de Moscú y la resistencia de las tropas soviéticas a la invasión nazi. Si el espectador recorre de manera ordenada la primera sala, observará que ésta concluye con una “joya”; se trata de libro “Soviet Aviation”, diseñado en 1939 por Ródchenko y Stepánova para el pabellón soviético de la Feria Mundial de Nueva York. Con 262 imágenes de aviones y pilotos soviéticos, cada página del libro, que la editorial Lampreave reeditó en 2009, presenta diferentes collages y composiciones geométricas.

La segunda parte de la exposición recoge 50 libros y revistas publicados en la Unión Soviética durante los años 20 e inicios de la década de los 30, que siguen los criterios del constructivismo, la nueva tipografía y el fotomontaje. Por ejemplo, los diseños gráficos para la revista “Brigada de artistas” realizados en 1933 por dos ingenieros, los hermanos Stenberg; y por una de las eminencias de la vanguardia rusa y colaborador de “URSS en construcción”, El Lissitzky; también portadas de las revistas “Campo rojo”, que en 1929 llegó a editar entre 90.000 y 100.000 ejemplares; de la revista “Mujer”, las composiciones de Varvara Stepánova en “Sovotskoe Kino” (“Cine Soviético”) o las cubiertas que Ródchenko realizó para la revista “Periodista”, en 1932. En cuanto a los libros, el espectador puede acercarse al diseño que Stepánova y el fotógrafo de vanguardia, Boris Ignatovich, realizaron en 1932 de “Carcajada terrible”; o el que hizo el fotógrafo constructivista Gustav Klutsis de “En memoria de los dirigentes fallecidos”, libro que en 1927 alcanzó una tirada de 10.000 ejemplares. La épica del ejército rojo, citas de Lenin, Stalin y Molotov figuran entre las páginas de otro volumen de 1934, “Ejército rojo de trabajadores y agricultores”, cuya portada es obra de Lissitzki. Y no es menos claro el título del volumen maquetado por Telingater, Gutnov y Spirov: “Octubre: la lucha por la posición proletaria de clases en el frente de las artes visuales”.

Enric Llopis (Fuente: Rebelión)

Hasta el 26 de agosto

lunes, 16 de abril de 2018

"NI RIENDA NI JIERRO ENCIMA", NUEVO DISCO DE EL CABRERO

NI RIENDA NI JIERRO ENCIMA

Hay por ahí una soleá, de hace muchos años, que se hizo consigna entre quienes me seguís: “Cuando hay algo que decir, no se puede uno callar, porque callar es morir”. La grabé porque así lo pienso, y se ve que vosotros también. Por eso hice este disco, a mis setenta y tres años, porque “le he cantao a casi to lo que me ha dao que pensar”, pero no a todo. Me faltaba cantarle a la amapola, siempre a la sombra del trigo, pero nada nubla su color, y a las flores que crecen en las cunetas, y escupirle a los opresores, a los explotadores y al miedo, que es el mayor enemigo. Y me faltaba decir, como Horacio Guarany, que “es más libre el que está entre rejas por expresar una opinión, que el que está fuera por no tener el coraje de gritarla”, y también, que sigo en la mía: a los que mandan, no les cabresteo.
Los cantes que van aquí y yo nos conocemos y nos queremos desde hace muchos años. Siempre vuelvo a ellos, cuando joven y ahora: ya nos tratamos como viejos amigos. Menos uno, porque no es un cante, ni va aflamencado. No lo quería dejar fuera porque creo que dice verdades como cerros: es un tremendo grito de libertad hecho canción y se ha puesto de regalo al final del disco.

Ni rienda ni jierro encima va dedicado a quienes habéis hecho posible que mi trayectoria sea larga. A los que me seguís ahora y a quienes ya no están entre nosotros. ¡Gracias, amigas y amigos! Un abrazo.

José Domínguez Muñoz El Cabrero

01 Que la unión hace la fuerza  (tonás)

02 Ni rienda ni jierro encima (soleá)

03 El Orejano (vals criollo)

04 Que devuelvan el dinero (fandangos)
05 Van galopando (seguiriya)

06 Le da gritos al segaor (malagueña y rondeña)

07 No soy gallo de corral (fandangos de Alosno)
08 Amapola del trigo (liviana y serrana)

09 Porque el peligroso es él (jabera y jabegote)

10 Con la fuerza de un volcán (fandangos)

Coplera del prisionero (canción) Bonus track

domingo, 15 de abril de 2018

"AIDEZ L´ESPAGNE (AYUDAD A ESPAÑA)", DE JOAN MIRÓ


Aidez l'Espagne (Ayudad a España)
Joan Miró
1937
Gouache sobre papel
42,5 × 56 cm
Fundació Christian i Yvonne Zervos, Vézelay (Francia)

Aidez l'Espagne (Ayudad a España) es una plantillar diseñado para Joan Miró en 1937 a petición de Christian Zervos, quien le pidió que realizara una obra que se pudiera editar en forma de sello de correos para recaudar fondos y financiar así el gobierno de la República Española.

La obra fue realizada en el marco de los trabajos de preparación y puesta a punto del pabellón de la República Española para la Exposición Internacional de París de 1937, un proyecto en el que Miró colaboró ejecutando el mural del Segador .

La plantilla es protagonizada por un campesino catalán, tocado con barretina y con el puño derecho levantado. Queda enmarcado, por arriba y por abajo, por las dos palabras que forman el lema, una exhortación a los ciudadanos de los países vecinos a dar una mano al gobierno de la República Española, entonces sumergida de lleno en la guerra civil. El artista optó por representar un campesino por el mensaje telúrico que transmitía esta figura, la de un personaje arraigado en la tierra, que al mismo tiempo es el medio que trabaja con sus manos para subsistir. Miró consideraba que representar un campesino era mejor que representar un intelectual, en tanto que el primero resultaba más auténtico a ojos del público

La pieza es de colores vivos (los colores de la bandera española, una bandera que se presenta incompleta por las manchas blancas bien visibles en la figura del campesino), y el gesto del campesino, sumado a la fuerza de su puño en alto, confieren una gran potencia a la obra y se adaptan perfectamente a las necesidades de la propaganda. Justo lo que buscaba el artista: « Procuré que causara un gran impacto plástico. Esto es lo que importa: si lo consigo, entonces es fácil conseguir que también tenga un impacto intelectual.»

De esta plantilla se realizó una tirada limitada de sellos, que costaban un franco, para destinar los beneficios de su venta a financiar el gobierno republicano español. Además, también se hizo una tirada limitada de carteles serigrafiados de gran tamaño, a los que se incorporó un manuscrito de Miró en francés, que rezaba: "En la lucha actual veo las fuerzas caducas junto fascista; mientras que en el otro está el pueblo, cuyos inmensos recursos creadores darán en España un empujón que sorprenderá el mundo."

«Que si me daba cuenta que esto significaba un posicionamiento? Claro. Me levantaba en contra de todo lo que creía que era caduco y ponía mi esperanza en lo que me parecía más humano y auténtico. Pasé mucho miedo por haber hecho esta obra.» Joan Miró.

sábado, 14 de abril de 2018

"ESPAÑA VIVIRÁ", DOCUMENTAL DE HENRI CARTIER-BRESSON, EN EL 87 ANIVERSARIO DE LA II REPÚBLICA

Título original: L’Espagne vivra
Autor: Henri Cartier-Bresson
Año: 1938-1939
País: Francia
Duración: 44 minutos

L’Espagne vivra (España vivirá) es un filme propagandístico filmado por Cartier-Bresson en la Guerra Civil.

Cartier-Bresson probó suerte en el cine y fue ayudante de dirección de Jean Renoir en películas míticas como La regla del juego, pero su talento como realizador está muy lejos de su pericia como fotógrafo. El documental es un ejercicio de propaganda hijo de su tiempo con ciertas dosis de ingenuidad.

Financiado por el Secours Populaire, una asociación que hoy en día sigue luchando contra la pobreza y la exclusión social, el documental intenta agitar las conciencias para que se movilicen a favor de la República española. Refleja un documento de 1934 en el que los fascistas recaban el apoyo de Mussolini y es muy crítico con la política de no intervención de Francia y el Reino Unido.

Cartier-Bresson incide en el despliegue de tropas italianas en España e incluso incluye el interrogatorio a un soldado italiano capturado. Carga las tintas con la presencia de mercenarios moros en territorio español y llega a recordar su expulsión por los Reyes Católicos y las batallas del Cid.

Toca la fibra sensible del espectador con los envíos de leche condensada para que los niños de España "no mueran de hambre" y con la solidaridad de los campesinos franceses que donan sacos de patatas para que puedan comer sus vecinos del sur.

Fuente: TVE

VER DOCUMENTAL CON SUBTÍTULOS EN CASTELLANO:



viernes, 13 de abril de 2018

"FILOSOFÍA DE LA PRAXIS COMO CRÍTICA DE LA HEGEMONÍA EN ANTONIO GRAMSCI"


ARTÍCULO DE JUAN JOSÉ GÓMEZ PUBLICADO EN EL Nº 166 (2018) DE LA REVISTA “IDEAS Y VALORES”

Se exploran las relaciones entre hegemonía y filosofía de la praxis en A. Gramsci. Se examina la influencia de la filosofía hegeliana sobre estas nociones en los Cuadernos de la cárcel. Asimismo, se estudia la crítica a estas nociones a la luz del feminismo de la diferencia y del debate sobre hegemonía, universalidad y contingencia iniciado por E. Laclau, J. Butler y S. Žižek. Se concluye que concebir la hegemonía desde la perspectiva de la filosofía de la praxis significa que la acción político-intelectual, según Gramsci, no solo implica la formación de una hegemonía alternativa, sino una crítica políticamente operante a la pretensión de universalidad del discurso hegemónico a partir de la exposición de su contingencia histórica.


DESCARGAR ARTÍCULO: https://revistas.unal.edu.co/index.php/idval/article/download/56117/pdf_4

jueves, 12 de abril de 2018

"AUTORRETRATO DE UN JOVEN CAPITALISTA ESPAÑOL", LA OBRA DE ALBERTO SAN JUAN QUE PRETENDE CENSURAR EL PARTIDO POPULAR



LO QUE ALBERTO SAN JUAN NOS PRESENTA ES UN MONÓLOGO VALIENTE, IRÓNICO, INTELIGENTE, DOCUMENTADO Y POTENTE. UNA EXCELENTE CLASE DE HISTORIA SOBRE NUESTRA REALIDAD MÁS CERCANA.

Durante los 100 minutos que dura este retrato, Alberto nos coge de la mano y nos da un deslumbrante paseo por la historia de España, empezando por el tardofranquismo y acabando en esta estafa llamada “crisis”. Nada es casual en su sucesión de recuerdos, anécdotas y descubrimientos históricos. Cada hebra que este artesano de la escena va sacando acaba encajando con virtuosa precisión para desplegar un terrorífico tapiz que desnuda todas las mentiras e ingenuidades que nos han colado como historia oficial. La República y sus cunetas aún olvidadas, la dictadura, la monarquía, los chanchullos de la banca, o de los EE.UU. y todo un compendio de oligarcas que conspiraron para que España acabase donde está. Nada es casual, nada queda sin explicar minuciosa, fascinante y amenamente.

Soy capitalista. Tengo cuenta en un banco que especula con alimentos. Tengo un seguro médico privado. Tengo la luz contratada con una empresa que roba a sus clientes porque su objetivo es el máximo beneficio. Cuando trabajo cobro el sueldo más alto que pueda conseguir, sin preocuparme de cuál es el sueldo y el resto de las condiciones laborales de mis compañeros. Puedo ayudar económicamente a un amigo, pero nunca a costa de rebajar mi nivel de vida. Quiero preservar mi fama, mi cotización comercial, mis propiedades.

La sociedad en la que vivo es injusta hasta la crueldad. Me gustaría que cambiase, pero no estoy dispuesto a perder en el intento aquello que he logrado acumular. Estoy hablando muy en serio.

Así presenta Alberto este Autorretrato.

miércoles, 11 de abril de 2018

EXPOSICIÓN "NO PASARÁN. MADRID 1936. 16 DÍAS"

pasaran16 DÍAS QUE ASOMBRARON AL MUNDO

Fotografías, carteles, películas y documentos inéditos componen la exposición No pasarán. Madrid 1936. 16 días, que narra los 16 días de noviembre de 1936 en los que el pueblo de Madrid defendió la capital frente a las tropas sublevadas. La muestra centra su relato en el comportamiento colectivo de la ciudadanía y en los diferentes aspectos que marcaron las más de dos semanas de defensa encarnizada.

En lugar de realizar una narración cronológica de los hechos, No pasarán se estructura en torno a 16 ítems por los 16 días que duró la batalla, entre las que se encuentran ‘Luchar’, ‘Fortificar’, ‘Bombardeos’, ‘Solidaridad’ y ‘El Otro Madrid’. Esta estructura permite realizar un relato desde la historia de las personas anónimas, desde lo colectivo, y no tanto desde los grandes personajes. Como explica Gonzalo Berger, “por mucho que Durruti viniera a Madrid o por muy importante que fuera el papel de Miaja o Rojo, es el pueblo de Madrid, sus barrios, sus hombres, sus mujeres, sus viejos, sus jóvenes… los que dan la cara por la República y por la defensa de la libertad”.
Las alcaldesas de Madrid y Barcelona, Manuela Carmena y Ada Colau, han presentado la exposición. Carmena ha recordado que Madrid no solamente estaba manteniendo esa batalla por la democracia y contra el fascismo, sino que luchó por la legalidad. En este sentido ha recordado al magistrado del Tribunal Supremo Francisco Javier Elola, procesado y condenado a muerte en Barcelona por el nuevo régimen en 1939. “En aquel juicio se le procesaba por un delito de rebeldía y el magistrado dijo: dejemos las cosas claras, los rebeldes fueron ustedes, yo defendía la legalidad. Madrid defendía la legalidad. Y en estos momentos en que se habla tanto de legalidad hay que recordar que nuestros madrileños luchaban por la democracia pero desde la legalidad, porque fueron otros los que la rompieron”.
La elección de la Casa de La Panadería de la Plaza Mayor para el emplazamiento de No pasarán no es casual: además de coincidir con las celebraciones de su cuarto centenario, la exposición se sitúa a pocos metros del lugar donde se alzó la icónica pancarta, en la calle Toledo.

16 días de resistencia

El 7 de noviembre de 1936, Madrid se convirtió en el principal frente de batalla de la Guerra Civil. Las tropas sublevadas, que habían tomado posiciones en la Casa de Campo y en la orilla izquierda del Manzanares, a escasos kilómetros del centro, recibieron la orden de asaltar la ciudad. A partir de ese momento, en el que los sublevados daban por conquistada la capital, se suceden los acontecimientos de forma vertiginosa:
  • El ejército leal recibe la orden de llevar la defensa de la ciudad al límite
  • El Gobierno huye de la capital para instalarse en Valencia
  • Madrid se convierte en un campo de batalla, lleno de trincheras y fortificaciones improvisadas
  • Los bombardeos de la aviación rebelde se suceden diariamente
  • Miles de voluntarios de toda España se dan cita en Madrid para luchar contra el fascismo
  • Las Brigadas Internacionales, compuestas por miles de voluntarios extranjeros, se unen a la defensa
  • Cientos de miles de refugiados, que se habían concentrado en Madrid huyendo de los combates, tienen que ser evacuados
  • Finalmente, el 23 de noviembre, con las tropas sublevadas muy mermadas y, al igual que las fuerzas defensoras, al borde de la extenuación, el general Franco decide que Madrid deje de ser un objetivo militar preferente. La ciudad no ha caído.
Hasta el 1 de julio de 2018

Fuente: hoyesarte

martes, 10 de abril de 2018

RAPEROS LANZAN LA CANCIÓN POR LA LIBERTAD DE EXPRESIÓN "LOS BORBONES SON UNOS LADRONES" DESDE LA CÁRCEL MODELO



Artistas entre los que se encuentran Frank T, Elphomega o Rapsusklei participan en un videoclip gestado a partir de la sentencia de Valtonyc

La iniciativa se inscribe en la Semana por la Libertad de Expresión organizada por el colectivo #NoCallarem de activistas de la cultura


Los cantantes de hip hop reivindican la libertad de expresión a su manera: micrófono en mano y desafiantes en sus letras. Hasta 13 raperos han participado en el videoclip "autoinculpatorio" Los borbones son unos ladrones, grabado en la antigua cárcel Modelo de Barcelona, para mostrar su apoyo a artistas condenados por delitos de enaltecimiento del terrorismo y calumnias en sus canciones, como Valtonyc, Pablo Hasel o La Insurgencia.

Decanos del hip hop español como Frank T, Elphomega o Rapsusklei comparten videoclip con bandas como ZOO, Los Chicos del Maíz, Tribade, La Raíz, Ira Feminista, Machete en Boca y Noult. También integran el elenco de artistas el cantante de Def Con Dos, César Strawberry, condenado a un año de cárcel por tuits en los que ironizaba sobre ETA o la muerte de Luis Carrero Blanco y que aparece con una cadena en la boca, o la popular rapera argentina Sara Hebe.

La iniciativa tiene su origen en Twitter. El día que se conoció la sentencia contra Valtonyc, el rapero Pau Llonch, del grupo At Versaris, canalizó su enfado con un desafío a la escena del hip hop: "Propongo que pillemos la letra y la rapeemos al unísono o en fragmentos entre muchos artistas, escritores, MC, etc".

El resultado de su desafío es la canción Los borbones son unos ladrones, referencia evidente a una de las rimas que aparecen en la canción de Valtonyc No al borbó, que según el Tribunal Supremo constituye un delito de injurias a la Corona. Los raperos mezclan en el videclip estrofas de elaboración propia con pasajes de las canciones que han pasado por la mesa de los jueces en los últimos años.

"Es una respuesta antirepresiva que busca su fuerza al extender y asumir de forma colectiva y solidaria las responsabilidades penales de rapear", sostienen los impulsores en un comunicado. Detrás de la iniciativa, aparte de Llonch, están las cooperativas del sector musical barcelonés Que Soni, Versemblant, Propaganda pel Fet! y el festival Say It Loud.

El proyecto se enmarca también en la Semana por la Libertad de Expresión, que se celebra desde este lunes en Barcelona organizada por la plataforma de activistas culturales #NoCallarem. Alrededor de las instalaciones de la cárcel Modelo están previstas actuaciones, debates y exposiciones sobre esta temática.

Fuente: eldiario

lunes, 9 de abril de 2018

70 AÑOS DE LA MUERTE DEL ESCRITOR COMUNISTA EGON ERWIN KISCH

Egon Erwin Kisch (a la izquierda) durante la Guerra Civil española.

EGON ERWIN KISCH, LA EMOCIÓN DE LA VERDAD

Escritor cosmopolita y comunista, Egon Erwin Kisch luchó por el proletariado y contra el fascismo alemán. Sus reportajes literarios de todo el mundo lo hicieron famoso. Hace 70 años que murió el intrépido reportero.


"¿Estoy en un paisaje chino? ¿En una tierra concebida por Julio Verne dentro de la tierra? ¿En la pantomima acuática de un circo? Todo lo que estoy viendo es incomprensible y se vuelve aún más incomprensible a medida que empiezo a entender”, escribe Egon Erwin Kisch en Paisaje creado por la plata, un texto sobre las minas de plata de México. Este reportaje sobre la historia colonial del pueblo mexicano y la miseria de la población indígena debida a los excesos del capitalismo comienza fantásticamente en el sentido más auténtico de la palabra.

El intrépido reportero Kisch fue un destacado observador de la realidad, que investigó con profundidad y precisión para dar al lector una nueva visión de materias y mundos extraños. Lo hizo en reportajes sobre la cultura de la producción de seda en China, historias del norte de África y en una irónica correspondencia apócrifa con Adolf Hitler, así como en una entrevista con las pirámides de Chichen Itzá o un texto sobre la historia cultural del cactus en México. Kisch supo situar con técnicas literarias y periodísticas cuestiones actuales e históricas, políticas y culturales en un contexto amplio basado en hechos. La facilidad lingüística y el humor irónico a través del lenguaje y los juegos intelectuales distinguen tanto su estilo como su personalidad. "El indio piensa que no hay más dios que el dios de los cristianos, es verdad. Pero también es cierto que el peyote es un dios y un dios muy poderoso, como se ha demostrado en nuestro propio cuerpo. Eso significa que el peyote es el dios de los cristianos".

México: ¡Por fin a salvo!

Los textos de México, en los que también establece una conexión entre el destino de los pueblos indígenas y el asesinato de los judíos en Europa, se convierten más adelante en uno de sus libros más famosos, Descubrimientos en México. Los críticos se han referido particularmente a Kisch como un eurocéntrico por el contenido de este libro, pero estas referencias también pueden leerse de manera diferente, sabiendo que, para Kisch, son un intento de salvar la patria y la tradición arrasada en Berlín y Europa. Algo que es una característica común de toda la literatura alemana del exilio.

En noviembre de 1940, Kisch cruzó la frontera mexicana cerca de Laredo, en el sur de Texas, en un camión. El deseo de emigrar a los EE.UU. todavía parpadeaba en el asfalto blando de la carretera rural que discurría tras él. A su frente, yacían cientos de kilómetros de un surrealista paisaje desértico al otro lado del mundo, un paisaje que iba a ser su futuro. En aquel momento, inimaginable y, sin embargo, su salvación. Había estado huyendo junto con su esposa durante años: República Checa, Francia, Estados Unidos y ahora México, lejos, pero a salvo. ¡Por fin!

De Praga al mundo

Hijo de un comerciante de ropa judío, Egon Erwin Kisch nació en Praga en 1885. Después de la escuela y del servicio militar, estudió literatura y filosofía alemana. Su carrera como periodista comenzó en el prestigioso diario Praga Bohemia, donde redactaba historias de crímenes del submundo bajo el título de "Incursiones en Praga”. El descubrimiento de un caso de espionaje en el Ejército austríaco le dio gran prestigio.

Después de la Primera Guerra Mundial se unió al movimiento obrero y se fue a Berlín, donde escribió para varios periódicos y para la prensa del Partido Comunista. También probó a escribir dramas teatrales. Siguieron varios viajes a Rusia y Asia, Túnez y Argelia, de los que surgieron varios volúmenes de reportajes.

El mundo convulsiona

En 1933, Kisch huyó de Berlín a Francia como escritor perseguido, judío y comunista. En París se involucró en el movimiento de resistencia con los intelectuales y artistas emigrados que vivían allí. Junto con el famoso autor Heinrich Mann, representó a la delegación alemana en el Primer Congreso Internacional de Escritores para la Defensa de la Cultura. A pesar de haberse instalado en Francia, en realidad Kisch viajaba sin parar. Su famoso desembarco en Australia en 1934 causó sensación: saltó de un barco desde una altura de seis metros porque quería participar en un congreso de paz, pero el Gobierno del país le prohibió entrar. Cuando estalló la Guerra Civil española, viajó al frente de la Brigada Internacional para informar desde allí.

Cuando las tropas de Hitler conquistaron finalmente el norte de Francia y quienes huían de los nazis se abrieron paso hacia el sur del país, se produjeron escenas dramáticas en las ciudades portuarias. Miles de personas buscaban visados, visados de tránsito, billetes de barco, cualquier cosa para salir del continente europeo invadido por la avalancha fascista. Eran tiempos en los que un discreto hotelero o el encuentro con un benévolo vendedor de billetes para el siguiente barco a Marruecos decidían entre la vida o la cámara de gas. Kisch necesitaba reunirse con el Cónsul General de México, Gilberto Bosques. En los dramáticos meses del verano de 1940, Bosques emitió más de 40.000 visas a personas perseguidas. Lo hizo sin consultar a su Gobierno y Kisch fue uno de ellos. Una amiga de Kisch, la escritora Anna Seghers, a quien más adelante volvería a ver en México, también estuvo entre quienes se salvaron. En su novela Tránsito, Seghers le hizo un homenaje a estos tiempos dramáticos en el sur de Francia.

Resistencia desde el otro extremo del mundo

Kisch primero fue en barco a Nueva York. Hubiera querido instalarse en California, debido a que, gracias a visitas anteriores, tenía buenos contactos en Hollywood. Otros escritores alemanes ya estaban allí: Lion Feuchtwanger, Heinrich Mann ya estaban allí. Pero EE.UU. rechazó la entrada de las personas clasificadas como comunistas, incluido Kisch.

Famoso en Europa, Kisch en México era un desconocido. Solo le quedaba escribir y seguir trabajando contra el fascismo. "La emigración no es un estado, la emigración es una actividad", dijo. No estaba solo. Algunos de sus compañeros de la época del exilio francés de lengua alemana y compañeros del partido también fueron allí: Anna Seghers, Bodo Uhse, Bruno Frei o el director de orquesta vienés Dr. Ernst Römer. Junto con ellos y un círculo de exiliados de lengua alemana, fundó el club Heinrich Heine en la Ciudad de México en 1942. Se convertiría en una de las asociaciones más importantes de la lucha antifascista en el extranjero. Lecturas, discusiones políticas, representaciones teatrales les proporcionaban la sensación de estar en casa y contribuían a preservar la cultura prohibida en Alemania. El club Heinrich Heine editó la revista El libro libre, que publicaba artículos para arrojar luz sobre las verdaderas condiciones en Alemania y durante la guerra. Además, varios miembros del club impulsaron una organización mayor llamada Alemania Libre, que tenía como objetivo convertirse en una alianza latinoamericana de los opositores de Hitler.

Los hechos no son toda la verdad

Los hechos son la realidad, pero solo una parte de la verdad. "Nada es más emocionante que la verdad", es una de las famosas citas de Kisch. Kisch estaba convencido de que la verdad no se podía encontrar sólo en los hechos, lo que le dio una posición clara sobre la idea de objetividad que propagado hasta el día de hoy. Describir algo así como la verdad requiere más, como muestran sus textos: actitud, impresiones individuales y creatividad lingüística. La verdad requiere imaginación, fantasía, que expande positivamente los límites de la realidad basada en hechos. La cuestión sobre si eso es periodismo ya se planteaba en aquel momento. El periodismo literario sigue siendo la respuesta hasta hoy día.

Kisch regresó a Praga después de la guerra, en 1946. Dos años después, el intrépido reportero murió de un derrame cerebral. La cuestión de qué es la objetividad y cuál es la línea que separa el periodismo de la literatura permanece hasta el día de hoy. Kisch dio su propia respuesta a esta cuestión: el periodismo puede ser literatura si es verdad. Porque, "nada es más emocionante que la verdad".

Autor: Tim Schauenberg (MS)

Fuente: Deutsche Welle

domingo, 8 de abril de 2018

"PAN PARA TODOS", DEL ARTISTA DE LA RDA WOLFRAM SCHUBERT


Pan para todos
Wolfram Schubert
1975
Témpera sobre madera

280 x 368 cm
Museo de Historia Alemana de Berlin

Esta pintura fue una de las 16 obras que se exhibían en la Galería del Palacio de la República de la RDA


En el centro del mural "Pan para todos" de Wolfram Schubert se encuentra un agricultor cooperativo seguro de sí mismo, detrás del cual se extienden hacia el horizonte tierras de labranza accidentadas y de gran extensión. A su derecha, frente a un campo de maíz maduro, están los frutos del trabajo. Un tocón de árbol viejo, nudoso y retorcido recuerda la lucha pesada con la naturaleza, que es necesaria para poder traer una buena cosecha. El retrato de un granjero cooperativo se complementa con un "retrato" del paisaje. Los pensamientos y sentimientos del artista atraen la atención del espectador a través del contraste, el color intenso diferenciado e independiente de la imagen.

sábado, 7 de abril de 2018

"NORMA RAE", PELÍCULA DE MARTIN RITT

Título original: Norma Rae
Año: 1979
Duración: 113 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Martin Ritt
Guión: Irving Ravetch, Harriet Frank Jr.
Música: David Shire
Fotografía: John A. Alonzo
Reparto: Sally Field, Beau Bridges, Ron Leibman, Pat Hingle, Barbara Baxley, Gail Strickland, Robert Broyles, John Calvin, Morgan Paull, Booth Colman
Sinopsis: Basada en hechos reales, narra el proceso de concienciación política de una mujer y su compromiso con la lucha sindical. Norma Rae (Sally Field), una obrera de una fábrica textil del sur de Estados Unidos, pasa por momentos difíciles tras la muerte de su marido. Cuando llega a la ciudad donde conoce a un líder sindical que se propone formar un sindicato en la fábrica, la vida de Norma cambia por completo: participa en la lucha laboral y se casa con un compañero de trabajo. Convertida en líder sindicalista, tendrá que enfrentarse a enormes dificultades para implantar un sindicato en su fábrica.

En el pequeño pueblo de Henleyville en los Estados Unidos encontramos a Norma Rae, una mujer de treinta años, inteligente, con dos hijos, y quien vive aun con sus padres. Ella trabaja en la fábrica textil que los explota; como a la mayoría de los habitantes de aquel lugar, no tiene otra oportunidad. Norma es al fin y al cabo un ser común y corriente: No tiene grandes metas ni tampoco su entorno le ofrece posibilidades para que sea mejor, simplemente le queda el círculo vicioso de trabajar, acaso pasar la noche con un hombre casado que le retribuya algo, cuidar a sus hijos e ir de tanto en tanto a un bar para tomarse unas cervezas que la saquen de tan tediosa situación. Sin embargo aparece Reuben Warshowsky, quien viene enviado por el sindicato textil de los Estados Unidos. Gracias a él, Norma poco a poco comprende la importancia de luchar por algo, de ser consciente de la situación laboral agobiante en que viven todos los trabajadores de la fábrica y en consecuencia emprender acciones que permitan la unión de los trabajadores para formar el sindicato que los ayude a mejorar su penosa situación laboral.

Fue evidente desde el principio de la película esa vida empobrecida material y espiritualmente a la que Norma estaba sometida; lo que sin embargo no ocultaba la gran calidad de ser que ella encarnaba: una mujer que no se guiaba por prejuicios, una amante que se entregaba, una esposa que trataba de estar a la altura y una madre preocupada por el destino de sus hijos. La película muestra la importante transformación de un ser bueno e inteligente pero sin metas en alguien que alcanza por lo menos una idea de lo justo por lo cual luchar sin evadir todas las angustias y conflictos que trae la búsqueda de algo mejor. Norma llegó a ser una mujer a quien el deseo impulsado y fortalecido por Reuben le permitió encontrar un horizonte de libertad personal, es decir, ella primero fue golpeada mientras por el contrario al final reclamó por los derechos suyos y de su comunidad asumiendo las consecuencias.

Ese pasaje de la vida de un personaje ficticio, Norma Rae, basado en hechos verídicos de la biografía de la sindicalista norteamericana Crystal Lee Jordan, recuerda el crecimiento político de las mujeres a lo largo del siglo XX y trae necesariamente de nuevo el tema de la actualidad del sindicalismo en nuestro país, debido a la poca confianza general hacia los sindicatos y la pobre influencia que estos tienen dentro de la sociedad civil. Teniendo en cuenta nuestro contexto, en donde el exterminio político de los sindicatos ha sido notable y a la vez ignorado, es importante volver a recuperar el valor de las ideas sindicalistas, pues, a pesar de lo fracasos, los sentidos de las luchas no se han perdido y mucho menos debe perderse el liderazgo, más aun cuando nos rodea incapacidad política, desinterés, dificultad por consolidar movimientos sociales, y un aporte nimio de las universidades , las cuales, por el contrario, se han convertido en productoras de profesionales que reivindican la opresión laboral en aras de mejorar las ganancias y alcanzar el éxito.

Sin embargo al final la película cae en el peligro de mostrar un porvenir fácil para los que lograron la formación del sindicato. Debemos recordar que en un lugar conservador como el pueblo de Henleyville, el cual se parece demasiado a Colombia, o incluso siendo nuestro contexto mucho peor, siempre serán más la luchas en el horizonte que las metas que se logren alcanzar.

Eduardo Cano

Fuente: Corporación Cultural Estanislao Zuleta

VER PELICULA CON SUBTITULOS EN CASTELLLANO:


Norma Rae. Martin Ritt, 1979 from En Contingencia on Vimeo.

viernes, 6 de abril de 2018

LA GUERRA CIVIL ESPAÑOLA, BAJO LA LENTE DE WALTER REUTER


El Museo de la Cancillería de la Ciudad de México, muestra imágenes que el fotógrafo alemán tomó durante el episodio más negro de la historia de España.

CIUDAD DE MÉXICO.- A 80 años de la Guerra Civil española, el Museo de la Cancillería, ubicado en el corazón de la capital mexicana, exhibe fotografías que Walter Reuter tomó durante ese episodio negro de España.

Nacido en Berlín, Reuter pasó gran parte de su vida escapando de conflictos bélicos y del fascismo. Tras el ascenso de Adolf Hitler al poder y siendo ya un reconocido fotógrafo, se vio obligado a dejar Alemania y emigrar a España; donde gobernaba la Segunda República.

En 1936, cuando el general Francisco Franco hace el golpe de estado, el joven berlinés se enrola en la milicia andaluza organizada por las Juventudes Socialistas Unificadas. Desde ahí, decidió disparar con su cámara fotográfica en lugar de las armas.

A través de su lente, Reuter documentó lo que pasaba dentro y fuera del campo de batalla, pero puso gran énfasis en el rostro de la gente. “Walter Reuter. De la luz en la noche oscura” muestra precisamente una serie de instantáneas en blanco y negro que registraron la mirada, sonrisa y actividades que realizaban niños, niñas y milicias mientras escapaban de la lluvia de sangre y balas.

Otras fotografías muestran a niños jugando, aprendiendo a leer o simplemente descubriendo aquél mundo ajeno al odio y las armas.

También se pueden ver cámaras fotográficas, lentes, rollos y otros objetos que Walter Reuter utilizó para hacer su trabajo. El artista supo captar el lado humano de un conflicto que dejó más de 500 mil muertes y un dolor que perdura en la actualidad, con más de 100 mil desaparecidos.

Con esta exposición, el Museo de la Cancillería reabrió sus puertas luego de sufrir algunos daños por el sismo del 19 de septiembre que azotó al centro de México.

Tras la victoria franquista, Reuter huyó a Francia donde fue recluido en un campo de concentración. Logró escapar y trasladarse a la ciudad marroquí de Casa Blanca, donde las fuerzas francesas volvieron a detenerlo. Lo enviaron como prisionero al desierto del Sáhara. Nuevamente escapó y en 1942 logró subir a un barco que lo llevó al puerto de Veracruz.

El fotógrafo alemán pasó más de medio siglo en México. Ahí, fue precursor del periodismo gráfico moderno. Su gran pasión fue fotografiar a indígenas de las zonas más remotas del país. A pesar de su avanzada edad, viajó a las montañas de Oaxaca para captar con su lente a los triquis, con los que mantuvo una amistad muy especial.

Murió a los 99 años en Cuernavaca, Morelos, en el año 2005, pero aún falta mucho material por descubrir de este hombre que a través de la lente logró la inmortalidad.
Exposición:

“Walter Reuter. De la luz en la noche oscura”

Lugar: Museo de la Cancillería

Dirección: República del Salvador 47, Centro, 06000 Ciudad de México, CDMX, México


Fuente: Espacio Mex


jueves, 5 de abril de 2018

LA EXPOSICIÓN "MIGUEL HERNÁNDEZ, A PLENA LUZ" INICIA EN SEVILLA UNA RUTA ITINERANTE POR VARIAS CIUDADES

La exposición Miguel Hernández, a plena luz inicia este jueves en la Casa de la Provincia de Sevilla una ruta que la llevará durante dos años a Granada, Elche, Dublín, Manchester, Nueva York, Chicago, Manila, Tolouse, París y Madrid. Tras su clausura el 6 de mayo en Sevilla, donde se incluye en la programación de la Feria del Libro, la cita viajará a Granada y allí podrá visitarse de mayo a julio. En total, la muestra recorrerá 11 ciudades, cuatro españolas y siete fuera de nuestro país, lo que supone "una oportunidad en esa universalización de la figura de Miguel Hernández, compromiso que adquirió esta institución en 2012 cuando se hizo cargo de su legado", según indicó ayer a Efe el presidente de la Diputación de Jaén, Francisco Reyes, sobre este proyecto ligado a la conmemoración del 75 aniversario de la muerte del poeta y que han visitado en la ciudad de Jaén cerca de 6.000 personas. 

Miguel Hernández, a plena luz utiliza las piezas del legado del poeta que se conservan en el Instituto de Estudios Giennenses, como fotografías, manuscritos, cartas, libros, entre otros objetos personales que jalonan un recorrido por diez grandes bloques que pretenden acercar al público el universo, la vida y la figura de este "perito en lunas" y poeta universal. El comisario es Juan José Téllez, director del Centro Andaluz de Las Letras, institución que colabora junto al Centro de Estudios Andaluces en este proyecto organizado por la Diputación de Jaén y la Generalitat Valenciana. 

Fuente:  Diario de Sevilla


miércoles, 4 de abril de 2018

PRESENTACIÓN DEL LIBRO "KARL MARX: ILUSIÓN Y GRANDEZA", DE GARETH STEDMAN JONES, EN LA FUNDACIÓN DE INVESTIGACIONES MARXISTAS


Con motivo del bicentenario del nacimiento de Karl Marx, el prestigioso historiador Gareth Stedman Jones presenta la que probablemente sea la biografía más solvente del filósofo alemán, un trabajo que ha recibido encendidos elogios por la prensa especializada.

Una obra cuya importancia radica situar a Marx en el contexto del siglo XIX en el que creó sus teorías, obviando el modo en que hoy acostumbramos a verlo, esto es, como un revolucionario que fundó una nueva formar de ver la economía y la política. Karl Marx: Ilusión y grandeza huye del mito y se centra en el proceso de creación del pensamiento de Marx, desde su nacimiento hasta su fallecimiento en 1883.


Todavía hoy hay importantes debates contemporáneos en torno al legado de Karl Marx. Este año, además, se conmemora el bicentenario de su nacimiento, por lo que los homenajes se suceden a lo largo y ancho del planeta. Pero, si algo destaca por encima de todo, son las novedades editoriales en torno a su figura, entre las que, sin lugar a dudas, merece especial atención la biografía Karl Marx: Ilusión y grandeza.

Su autor, el reputado historiador Gareth Stedman Jones, lo sabe todo sobre Marx, dado que lleva años estudiando su legado y publicando trabajo sobre su persona. En Karl Max: Ilusión y grandeza, Stedman da un paso más en sus investigaciones y no solo muestra al pensador como alguien que formuló una teoría social innovadora, sino que también lo presenta como un filósofo, un teórico político y un crítico de la economía política cuyos escritos aspiraban a alterar el curso de las disciplinas económicas, sociales y científicas ya existentes en su época.

El objetivo de Stedman —y aquí radica la importancia de este libro— es situar a Marx en el contexto del siglo XIX en el que creó sus teorías, obviando el modo en que hoy acostumbramos a verlo, esto es, como un revolucionario que fundó una nueva formar de ver la economía y la política. Karl Marx: Ilusión y grandeza huye del mito y se centra en el proceso de creación del pensamiento de Marx, desde su nacimiento hasta su fallecimiento en 1883.

Stedman entreteje esta historia destacando los episodios más significativos de su vida, desde la ambivalente relación que mantuvo con su familia hasta sus coqueteos con la poesía, el derecho y, finalmente, la filosofía. En esta obra, Stedman se convierte en una especie de restaurador de un cuadro antiguo al que devuelve su condición original. Por esa razón da tanta importancia a las propuestas de Marx como a las reacciones que éstas suscitaron entre sus contemporáneos.

En definitiva, Stedman presenta la biografía más solvente de una personalidad mundialmente conocida, explicando cómo se forjó el ideario de este pensador y, al tiempo, el modo en que sus planteamientos forjaron nuestro mundo.

Fuente: Literaturas Noticias

martes, 3 de abril de 2018

150 AÑOS DEL NACIMIENTO DEL ESCRITOR MÁXIMO GORKI


Un día como hoy, 28 de marzo, pero de 1868, ha advenido al mundo Alekséi Maksímovich Péshkov, en la ciudad de Nijni Nóvvgorod, región del Volga-Vyatka, en el Imperio zarista, universalmente conocido con el nombre literario de Máximo Gorki y reconocido como el padre del realismo socialista.

Nacido en el seno de una familia muy humilde, a muy tierna edad ha quedado huérfano, debido a lo cual ha tenido que que laborar desde muy niño y viajar por casi todo el país ejerciendo los más variados oficios. En el transcurrir de los mismos y por su estrecha ligazón con el mundo de los trabajadores y campesinos, los pobres, ya como periodista ya como intelectual proletario tuvo estrechas relaciones con el joven Partido Obrero Socialdemocrático de Rusia. Conociendo y apoyando, a todo lo largo de su vida literaria y política, a las más grandes y rutilante figuras del marxismo ruso; de la talla Vladimir Ilich Ulianov, Georgi Plejanov, Lunatsharki y otros. Ha vivido en el exilio, voluntaria o forzadamente, dado su odio y rechazo de la autocracia zarista. Sostenedor del POSDR, del cual ha servido de mecena proletario de la escuela de cuadros del partido. Su amistad con Ilich ha tenido sus altas y sus bajas, pero siempre conservó la admiración y respeto del líder marxista. Retorna a Rusia, luego del triunfo de la Gran Revolución Socialista de Octubre de 1917. Pero, pronto se distanció de Lenin por su propia visión de la violencia de la guerra civil y los duros comienzos de la edificación socialista, por lo que por voluntaria decisión salió al exilio, una vez más; regresando luego, por invitación del camarada Stalin, en los inicios de 1930, la relación de amistad luego se ha enfriado por sus críticas al régimen soviético. Debido a las cuales ha sido sometido a arresto domiciliario. Falleciendo, finalmente, en la ciudad de Moscú (ya la URSS) el 18 de junio de 1936.

Entre sus obras, las que nos ha dejado en herencia cultural, se encuentran; Makar Tschudrá (1892), Tsheikish (1895), La vieja Izerkii (1864-1865), Malva (1897), Los ex-hombre (1897), Apuntes y veladas (1898), Varénka Olésova (1898), El canto del halcón (1899), Foma Gordiev (1899); Los Tres (1900), Pequeños burgueses (1901), El canto del petrel (1901), Los bajos fondos (1902), El hombre (1903), Los veraneantes (1904), Los hijos del sol (1905), Los bárbaros (1905), Los enemigos (1906), La madre (1906-07); Los últimos (1907-1908), La vida de un hombre innecesario (1908), La confesión (1908), La ciudad Okurov (1909), La vida de Matvéi Kozhemiákin (1909), Vassa Zheleznova (1910), Por Rusia (1910-1917, cuentos), Сuentos de Italia (1913), Mi infancia (1913-1914), Entre los hombres (1915-1916), Recuerdos de Tolstoi, Chejov y Andreiev (1920-1928), Mis universidades (1923), Los Artamonov (1925), La vida de Klim Sanghin (1925-1936), Yegor Bulychóv y los otros (1932).

Fuente: Partido Comunista (Marxista-Leninista) de Panamá

DESCARGAR "LA MADRE", DE MÁXIMO GORKI: https://drive.google.com/file/d/1aMmGjrf2LK5rWYGo7yxlZafw6zlzcACP/view

lunes, 2 de abril de 2018

CARTA DE MIGUEL HERNÁNDEZ DESDE LA PRISIÓN, EN EL 46 ANIVERSARIO DE LA MUERTE DEL POETA COMUNISTA


Carta de Miguel Hernández a su amigo Carlos Rodríguez Spiteri.

En ella palpita el sentimiento de desazón, hartazgo y escasa confianza en el futuro que sintió el poeta en la cárcel de Ocaña, 10 meses antes de morir en marzo de 1942. Además de recibir la noticia del nuevo libro de Spitieri, Los reinos de secreta esperanza, y comentarlo, Hernández deja entrever su desesperación: "Siento todas mis ataduras y mi poca, mi escasísima posibilidad de movimiento. Sólo puedo moverme en un patio que tengo más recorrido que el día...".

"Querido Carlos: con gran sorpresa, he recibido ese libro tuyo del 38, cuando las circunstancias eran muy otras para todos. Son poemas esos tuyos impregnados de la enrarecida atmósfera que respirabas, llenos de la angustia y la esperanza de tu juventud. Me alegran ciertos versos, donde la ternura halla su forma de expresión más inspirada. El libro, en total, está lleno de ese aliento que hace patente a un poeta. Vicente te habrá dicho mucho, y yo prefiero aguardar una ocasión para decirte todo cuanto pienso de este libro, que tú consideras un poco lejano. Veo que viajas, y cuando miro que tu carta viene de Toledo, siento todas mis ataduras y mi poca, mi escasísima posibilidad de movimiento. Sólo puedo moverme en un patio, que tengo más recorrido que el día. Dime más de tu actividad poética. Yo no hago nada por hoy, mañana veremos qué se hace. Vivo, me limito a vivir una vida de preso con todas sus consecuencias. Te abrazo y te prometo darte a conocer mi hijo".

Fuente: El País

domingo, 1 de abril de 2018

"EL RETORNO DE LOS MINEROS DEL CARBÓN", DE CONSTANTIN MEUNIER


El retorno de los mineros del carbón
Constantin Meunier
Oleo sobre tela
Museo Real de Bellas Artes de Bélgica (Bruselas)


El retorno de los mineros del carbón representa una escena de trabajo, en este caso denunciando en una escena grupal las pésimas condiciones laborales de un grupo de trabajadores mineros que vuelven al hogar después del trabajo. El dolor, el sufrimiento, el agotamiento y el cansancio son los elementos centrales de la composición. En la obra aparecen figuras casi fantasmagóricas y cargadas de útiles de trabajo, sobre un fondo de paisaje de fábricas, chimeneas y humo. Es la denuncia de un trabajo fatigoso, precario y mal pagado.

sábado, 31 de marzo de 2018

"OBRAS TEMPRANAS", PELICULA DEL DIRECTOR YUGOSLAVO ZELIMIR ZILNIK

Título original: Rani radovi
Año: 1969
Duración: 87 min.
País: Yugoslavia
Dirección: Zelimir Zilnik
Guión: Branko Vucicevic, Zelimir Zilnik
Fotografía: Karpo Acimovic-Godina
Reparto: Milja Vujanovic, Bogdan Tirnanic, Cedomir Radovic, Marko Nikolic, Slobodan Aligrudic
Sinopsis: En esta película de corte político y de clara propaganda antistalinista tras la invasión rusa en 1968, un grupo de apasionados comunistas vagabundea por el campo difundiendo las ideas marxistas. Este film tuvo problemas con la censura, justamente porque “una gran parte de público, inocentemente, no se dio cuenta de que los monólogos a modo de eslogan de la mujer que lidera el grupo se habían tomado al pie de la letra de las apasionadas cartas de Marx a Arnold Ruge de 1843 (publicadas con el mismo título que la película), y de fuentes como el Manifiesto comunista”.

Rani radovi (Early Works, 1969, cuyo título evoca los escritos de Marx y Engels), es más bien surrealismo socialista. “Era el final de los sesenta, una época de gran turbulencia, pero que de alguna manera nos inspiraba optimismo”. Zilnik comentó acerca del contexto de su largometraje debut, que casi medio siglo y decenas de películas más tarde sigue teniendo una fuerza tal que bastaría para inscribir al cineasta en la historia del cine:

La represión militar de la Primavera de Praga había impactado a los jóvenes yugoslavos, que sentían que se cuestionaba el concepto mismo de Socialismo de Estado en el que ellos vivían. "¿Qué iba a suceder con la esperanza en ese tipo de régimen, que, como nosotros veíamos con nuestros propios ojos, podía traer mucha más justicia, más derechos para la clase trabajadora, más servicios sociales... Ese verano, con 25 años, también tomé parte en las manifestaciones estudiantiles de Belgrado, y me preguntaba cómo se podrían articular estas interrogantes en una suerte de declaración. Así llegué al concepto fílmico de Early Works."

La mayor apertura de Yugoslavia, comparado con otros países de la región, permitía un contacto con la efervescencia creativa del resto del planeta. "Era un momento especial, muy alentador para el cine. Era la época en que en todo el mundo el cine se estaba modernizando, con el neorrealismo italiano y otros grupos que proponían miradas distintas, como la nueva ola francesa, el cine brasileño, tremendamente interesante, y las primeras alternativas de filmación de bajo presupuesto que llegaban de los Estados Unidos, de la Film-Makers Cooperative."

Acusando todas esas influencias formales apenas digeridas, la película cuestiona en una alegoría sin concesiones, y con total irreverencia por todos los símbolos sagrados del comunismo, las incoherencias y los riesgos de un marxismo ingenuo y sobre todo impuesto. Un grupo de estudiantes decide cambiar el mundo e iniciar una revolución entre trabajadores y campesinos, sin tener la menor idea de lo que están haciendo. Las tensiones y frustraciones sexuales entre los tres hombres y la única mujer, la bella Yugoslava, simbolizan la violencia de las luchas de poder. Al final, sólo queda el humo de la muerte y la destrucción.

La "comedia" basada en Marx y Engels, como rezan los títulos, transforma la confusión del momento en una forma poéticamente confusa, alternando montajes bruscos con hipnóticas tomas largas de magnífico blanco y negro; pasajes de acción realista con puestas en escena teatrales; citaciones filosóficas y provocación sexual; idealismo y brutalidad; ilusión y desesperación.

Fuente: Mabuse

VER PELICULA CON SUBTITULOS EN CASTELLANO:



http://zoowoman.website/wp/movies/obras-tempranas/